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    John Armleder
    Johan Creten
    Hans Op de Beeck
    Blair Thurman
    Olivier Mosset
    Sylvie Fleury
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    Gerold Miller
    Wolfram Ullrich

    John Armleder, LOASACEAE, 2021

    Edition de 20 pièces numérotées et signées par l'artiste John Armleder

    L’œuvre de John Armleder est truffée de références qui échappent à la langue vernaculaire moderniste ainsi qu’à toute forme de classification. Pour cette ceinture, il s’est inspiré de son « supermarché des formes » et a réussi à donner vie à une identité visuelle qu’il avait ancré profondément dans ses souvenirs. Au cours de ses quarante-cinq années de carrière, John a produit des oeuvres que l’on peut considérer comme peintures suprémacistes, sculptures minimalistes, meubles de haute conception ou encore tout autre objet facilement catégorisable. Le cerveau est une forme complexe, qui une fois dessinée, n’exprime plus rien ; il peut faire référence à une noix ou encore à un dessin abstrait.


    Les objets qu’il présente dans ses compositions ludiques, sont présentés comme complètement dissociés de toute préoccupation artistique formelle. Il brouille délibérément les frontières traditionnelles entre support et surface, sujet et objet, art majeur et art mineur. Il remet également en question le schéma traditionnel dans lequel le spectateur vient admirer et faire l’expérience d’art moderne ou contemporain dans un endroit spécifique et dédié.


    John Armleder (né en 1948) est un artiste contemporain suisse connu pour son travail qui s’inscrit dans le mouvement Fluxus. Le travail d’Armleder opère à travers différents supports, qui vont de la peinture à la sculpture en passant par le design, la performance et les installations. Ses œuvres sont à la croisée de plusieurs influences et mouvements artistiques, parmi lesquels nous retrouvons le suprématisme, le minimalisme et le néo-dada. John examine souvent le contexte dans lequel l’art est installé et considère que les expositions sont un médium indépendant. Il a trouvé son propre vocabulaire créatif en mélangeant l’abstraction avec le « mobilier sculptural ».

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    Le Projet

    A travers le Projet A, notre Maison permet à des artistes de s'associer à la marque en revisitant son produit phare, la ceinture réversible. Pour nommer ce projet exclusif, le A a été retenu, comme la lettre initiatrice de l'alphabet et une ode qui rallie Art et Artisanat.

    En hommage à leur arrière-grand-père Jacques Hopenstand, Rémi et Renaud ont décidé d’offrir leurs ceintures comme support d’expression à des artistes contemporains qu’ils admirent. Ces derniers ont carte blanche pour créer une œuvre portable qui est ensuite éditée à 20 exemplaires numérotés et signés. Un écrin, également imaginé par les artistes, vient renfermer et protéger la pièce.

    Chaque collaboration ouvre de nouvelles perspectives et une approche novatrice sur le projet, ainsi nous avons décidé d’inviter un panel d’artistes variés sans nous focaliser sur une technique ou approche particulière pour enrichir la collection. C’est également une excellente opportunité pour nous de challenger nos artisans suisses et français à développer leurs techniques et talents.

    L’Art portable a la fascinante caractéristique de se trouver à la croisée de la peinture, la sculpture et la performance. Il change radicalement le point de vue sur l’Art car non seulement l’observateur peut se déplacer autour de la pièce mais la pièce elle-même se déplace dans l’espace.

    Exposées lors de différentes foires d’Art internationales et événements privés, ces pièces d'exception viennent élargir et renforcer la gamme de ceintures réversibles. A comme Avenir, là où métier et passion s'entremêlent. L'héritage historique reste toutefois présent puisque Art et Artisanat partagent une même étymologie et surtout une dimension commune de savoir-faire, technique et qualité.


    Johan Creten, DIE SONNE DIE SUNDE, 2021

    Edition de 20 pièces numérotées et signées par l'artiste Johan Creten

    Johan Creten est une figure influente dans l’évolution de la perception de la céramique au sein de l'art contemporain. Le sculpteur flamand est l'un des pionniers de la renaissance de ce matériel dans l'art contemporain. Son objectif est d'exprimer un large éventail d'idées à travers cette matière afin d’inciter des réflexions politiques et sociales à travers son travail complexe qui reste cependant profondément ancré dans la vie quotidienne.


    Creten n’hésite pas à charger ses œuvres d'imperfections, prêt à affronter l'inévitable avec honnêteté. Il produit également des sculptures monumentales en bronze ; leur taille et la force du matériel choisi sont aussi envahissantes que l'intimité intrusive de ses plus petits gestes en céramique.


    Dans la perspective de Johan Creten, il n’y a pas sept péchés mais plutôt un nombre infini et illimité. Les sculptures de Creten n’ont rien à voir avec la morale ou la sanction, la guillotine ou la censure ; ils parlent plutôt de péchés et de vies qui font se rencontrer désir et douleur, espoir et misère, luxe et colère, amour et mort, Eros et Thanatos.


    Johan Creten (né en 1963) travaille en itinérance depuis vingt-cinq ans, du Mexique à Rome, en passant par Miami et Amsterdam et plus récemment à Paris. Il a commencé à travailler l'argile à la fin des années 1980, alors que cette matière était encore très taboue dans le monde de l'art contemporain. Pourtant, l'argile représente notre Mère la Terre, qui réunit le sacré au profane. Johan Creten est l'un des premiers militants de l'argile dans l'art contemporain, il est considéré, aux côtés de Thomas Schütte et de Lucio Fontana, comme un pionnier dans la renaissance de la céramique moderne, qui influence encore la prochaine génération d'artistes.

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    Hans Op de Beeck, PROUST, 2021

    Edition de 20 pièces numérotées et signées par l'artiste Hans Op de Beeck

    Hans Op de Beeck est connu pour ses figures sculptées réalistes et ses environnements mono-chromes immersifs fabriqués à partir de matériaux comme le bois enduit, le polyester et le plâtre pigmenté. Ces matériaux choisis avec soin, transforment ses sculptures et installations construites dans une nuance uniforme de gris mat, donnant aux spectateurs l'impression que cette couleur efface le monde qui les entoure.


    L'œuvre d'Hans Op de Beeck est empreinte d'une vision tragi-comique qui rappelle la fatalité de la vie et son œuvre nous plonge dans un univers hors du temps, à mi-chemin entre rêves et silences contemplatifs. Op de Beeck puise son inspiration dans l'une de ses œuvres qui reflète son enfance: Blackberries (les mûres).


    La perte, le chagrin et la culpabilité sont généralement associés aux mûres, mais l'artiste en a une lecture plus positive et individuelle. Les mûres lui apportent une vraie nostalgie qui le renvoie aux étés de son enfance et à la cour entourée de murs de pierre de la maison de ses parents. Comme sa petite madeleine de Proust, il revient vers ce fruit, objet symbolique dont la consommation rouvre les portes du passé.


    L'artiste bruxellois Hans Op de Beeck (né en 1969) revisite et retravaille des notions historiques conventionnelles de l'art, telles que le panorama, le paysage et les notions germano-romantiques de la mélancolie et du sublime. Les sculptures, croquis, peintures et films d'Op de Beeck consistent souvent en un simulacre et un espace architectural hautement atmosphérique. La tension entre l'artificiel et l'actuel est le sujet de ces espaces vides et anonymes; et cette même tension pose des questions universelles sur l'essence su processus artistique et la position de l'artiste en tant qu'artisan illusoire.

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    Blair Thurman, SAND-CAST, PRE-CAST, 2020

    Edition de 20 pièces numérotées et signées par l'artiste Blair Thurman

    Pour sa collaboration avec J.Hopenstand, Blair Thurman s’inspire de l’une de ses oeuvres, Bacardi Circuit (2018), et la transpose en se prêtant à un jeu d’échelle, de matières et de textures différentes, qui reprennent nombre des éléments représentatifs de son univers artistique. L’artiste américain dont le travail se situe au croisement du Pop Art, de l’abstraction géométrique, de l’Americana et des souvenirs d’enfance, propose une création dont les nombreuses références ne devraient pas échapper au porteur de celle-ci.


    Amené par ce trajet qui n’a ni point de départ ni arrivée, l’oeil se déplace alors sur le contenu de la boucle dont le motif évoque une toile d’araignée. Dans la culture populaire américaine, elle n’est pas sans rappeler celle d’un célèbre superhéros. La présence du cerceau qui l’entoure suggère également les attrape-rêves que fabriquait le peuple navajo. Cette référence aux peuples amérindiens est renforcée par le choix de Thurman d’utiliser deux matériaux symboliques de leurs bijoux, la turquoise et l’argent.


    Connu pour ses peintures post-minimalistes, ses néons et ses oeuvres murales, le travail de Blair Thurman explore l’histoire de la peinture et sa place dans notre culture contemporaine saturée de médias. Au croisement du Pop Art, de l’Abstraction géométrique, de l’«Americana» et de certains jouets pour enfant, Blair Thurman cherche à travers ses formes à créer des environnements ou des oeuvres indépendantes qui transforment les moyens de communications publicitaires d’aujourd’hui en œuvres poétiques abstraites.

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    Olivier Mosset, CBB, 2019

    Quatre éditions de 5 pièces numérotées et signées par l'artiste Olivier Mosset

    Avec «CBB», Olivier Mosset emmène J.Hopenstand à le suivre dans ses réflexions sur la couleur changeante. Emblématique pour ses monochromes et ses recherches sur une peinture ne faisant référence qu’à elle-même, l’artiste propose à travers cette collaboration une boucle aux couleurs irisées et aux reflets éphèmères. L’oeuvre prend forme à travers le regard qui se déplace et c’est en référence à l’univers des Harley Davidson et ses bikers, ses codes et son esthétique, qu’Olivier Mosset signale les nombreuses couleurs qui apparaissent à l’oeil.


    Ces oeuvres d’art portables sont au nombre de quatre et sont réalisées à partir d’un revêtement industriel, la laque caméléon. Elles proposent des couleurs dégradées qui se transforment au gré des reflets, du vert au rose, ou du rose au doré. Le monochrome est alors renvoyé dans ses propres limites par la peinture métallique et ses pigments orientés, la lumière et les couleurs iridescentes qu’elle révèle, proches du scarabée ou du caméléon.


    Olivier Mosset (né en 1944 à Berne et résidant à Tuscon, en Arizona) fonde depuis toujours son travail sur les questions de signature, d’appropriation et de répétition. Il a ainsi produit une oeuvre multifacette de monochromes et d’oeuvres géométriques abstraites qui rejettent toute attribution mystifiante de sens. Sa carrière débute vers 1965 alors qu’il est l’assistant de Jean Tinguely et Daniel Spoerri. En 1966, il cofonde le groupe d’artistes BMPT avec Daniel Buren, Michel Parmentier et Niele Toroni.

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    Sylvie Fleury, EYE SHADOWS, 2018

    Edition de 20 pièces numérotées et signées par l'artiste Sylvie Fleury, chaque boucle est livrée avec 4 pastilles interchangeables

    Dans "Eye Shadows", l'utilisation des formes, des structures et des couleurs par Sylvie Fleury reflète les règles et les principes utilisés dans le minimalisme et le Pop Art, tout en transformant le maquillage en un motif iconographique et culturel. L'artiste genevoise offre à l'utilisateur la possibilité de jouer avec une palette d’ombres à paupières interchangeables. Le porteur est alors invité à élire la couleur qui révélera sa tenue comme s'il choisissait le fard à paupière qui intensifiera ses yeux bleus, verts ou noisettes.


    Pour rappeler la texture et le scintillement qui habillent les compacts de maquillage démesuré de l'artiste, nous habillons la boucle noire "Eye Shadows" de disques laqués à la main. Réalisés à base de pigments et de paillettes métalliques, ces derniers rappellent les peintures de carrosserie qui peuvent être à la fois mates et brillantes et font écho à la sensibilité artistique de Sylvie Fleury.


    Sylvie Fleury est née (1961) et travaille à Genève (Suisse). Boîtes de maquillage brisées, lipsticks géants, 'Shopping Bags' devenus sculptures ou tableaux Mondrian en fausse fourrure, Sylvie Fleury s’approprie les produits de luxe et offre depuis le début des années 1990 un regard critique sur les mécanismes de notre société de consommation, ceux de l'art ou de la mode. Par ses travaux multidisciplinaires, elle aborde des questions aussi diverses que la marchandisation, le genre, la violence, la mystique contemporaine.

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    Sylvie Fleury, , 2016

    Deux éditions de 10 pièces numérotées et signées par l'artiste Sylvie Fleury

    On ne peut ni les toucher, ni les voir... Il en existe 7... 7 comme les 7 notes de musique, les 7 couleurs du spectre, les 7 planètes, les 7 jours. Centres spirituels et énergétiques, les chakras régissent nos propriétés intellectuelles et instinctives et contribuent à notre bien-être.


    Quoi de tel que de s’inspirer des énergies invisibles du corps humain pour créer une oeuvre d’art portable ? Sylvie Fleury l’a fait en choisissant de représenter le chakra sacré dit Svâdhistâna.
    Deuxième des sept chakras majeurs, le chakra sacré se situe au niveau de la ceinture. Siège de nos émotions et de notre créativité il se compose d’un lotus de six pétales ainsi que d’un croissant de lune. Il est naturellement relié au plaisir de vivre et au bien-être physique.


    Réalisée en deux façons par l’artiste genevoise, la fleur de lotus s’habille soit de noir soit d’orange et de bleu nuit. La boucle revêtant une finition or jaune et or rose, est par la suite ornée de laque de différentes couleurs dont une pailletée en son centre.


    Sylvie Fleury est née (1961) et travaille à Genève (Suisse). Boîtes de maquillage brisées, lipsticks géants, 'Shopping Bags' devenus sculptures ou tableaux Mondrian en fausse fourrure, Sylvie Fleury s’approprie les produits de luxe et offre depuis le début des années 1990 un regard critique sur les mécanismes de notre société de consommation, ceux de l'art ou de la mode. Par ses travaux multidisciplinaires, elle aborde des questions aussi diverses que la marchandisation, le genre, la violence, la mystique contemporaine.

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    Gerold Miller, MONOFORM, 2015

    Trois éditions de 20 pièces numérotées et signées par l'artiste Gerold Miller

    Pour J.Hopenstand, l'artiste berlinois Gerold Miller s'inspire d'une série d'oeuvres récente appelée « Monoform » : deux angles en aluminium laqués qui ont pour but de limiter l'espace qui n'appartient, selon l'auteur, qu'à l'imaginaire du spectateur. C'est ainsi que naissent les ceintures J.Hopenstand & Gerold Miller qui arborent une boucle en aluminium laqué, déclinée en trois séries. Les pièces baptisées « Monoform Bleu », « Monoform Rouge » et « Monoform Noir » entrent respectivement en contraste avec les cuirs de couleurs noirs, bleus et rouges.


    Gerold Miller est né en 1961 à Altshausen (Allemagne) et travaille à Berlin. Entre sculpture, peinture, relief et architecture, les oeuvres de Gerold Miller investissent notre quotidien visuel dans une rupture consommée avec l'image et sa représentation, en se réduisant au cadre uniquement. Définitivement débarrassée de sa fonction limitative, la frontière entre une zone picturale et environnementale disparaît en faveur d'une coalition perméable entre le centre et la périphérie, le dedans et le dehors, le bi et le tridimensionnel. Teinté d'une approche conceptuelle, le cadre vide devient une composition autonome. Gerold Miller a articulé son propos par étapes, à l'image de ses différentes séries; par une esthétisation des surfaces, à l'exemple de notre culture visuelle contemporaine, et par une accentuation croissante des qualités du design et des techniques industrielles. Sans montrer d'images et pourtant à l'instar de la communication de masse, ses oeuvres agissent comme un filtre qui cadre un segment de notre monde visuel.

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    Wolfram Ullrich, PRO, 2015

    Edition de 20 pièces numérotées et signées par l'artiste Wolfram Ullrich

    A le connaître, on ne pouvait ignorer que l'artiste allemand Wolfram Ullrich allait s'inspirer de son art abstrait géométrique en collaborant avec J.Hopenstand. Des angles serrés et des formes clairement définies dominent ses énigmatiques polygones tridimensionnels. Ce sont plus précisément des polyèdres, formes géométriques dont les faces sont planes, qui ont inspiré l'artiste lors de la réalisation de la boucle appelée « PRO ». Les finitions polies, satinées et microbillées, ainsi que les différentes teintes de gris donnent un effet de perspective et de profondeur à cette oeuvre qui viendra habiller un cuir réversible ébène noir.


    Wolfram Ullrich est né en 1961 à Würzburg et travaille à Stuttgart. Ullrich occupe une position spécifique dans l'art contemporain. Alliant tradition et innovation, il crée des oeuvres dont le vocabulaire formel est issu de l'art abstrait géométrique, plus particulièrement du constructivisme. Depuis 2000-2001, Ullrich travaille à partir de polyèdres. La partie plane de ses formes géométriques est souvent colorée alors que les bords de ses oeuvres dévoilent l'acier. La séparation des différentes parties du polygone intensifie l'effet de perspective. Ullrich nous invite à dépasser l'illusion du premier regard pour apprécier ces formes hybrides en tant que telles. Jouant des lignes, des matières, des couleurs et de la perspective, Ullrich reste fidèle à la tradition de l'art concret sans succomber à ses conventions.

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    La Collection

    John Armleder
    Johan Creten
    Hans Op de Beeck
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    Sylvie Fleury
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