Le langage minimaliste de Davide Balliano, caractérisé par des géométries abstraites en dialogue avec l'architecture, interroge des thèmes existentiels tels que l'identité de l'homme à l'ère de la technologie et sa relation avec le sublime. Sa pratique, décrite comme monastique, se reflète dans ses oeuvres, en apparence propres et précises, mais qui révèlent des éraflures et des égratignures, évoquant une façade en décomposition d'intentions modernistes abandonnées. Plus récemment, l'artiste explore de nouveaux horizons artistiques en fusionnant des éléments visuels développés au fil de sa carrière. Ses peintures précises, pourtant délicates, évoquent une géologie visuelle, tandis que ses sculptures en marbre, imposantes et mystérieuses, rappellent des reliques d'une civilisation ancienne. Son art transcende le temps et l'espace, créant une réflexion profonde sur les frontières de l'art. Pour cette collaboration, Davide puise son inspiration dans l'oeuvre littéraire de Curzio Malaparte, plus particulièrement dans son livre énigmatique "Kaputt." C'est de cette source que naît le nom de la ceinture "Culebra," qui signifie serpent en espagnol. "Kaputt" offre un récit saisissant et atypique, souvent considéré comme l'un des témoignages littéraires les plus percutants de la Seconde Guerre mondiale. Ce livre se distingue en tant qu'anti-roman, dépeignant avec une fascination mêlée de répulsion les horreurs de la guerre. Le mot "Culebra" dans ce contexte évoque des fantômes, créant un mélange d'émotions complexes et suscitant l'imaginaire du lecteur.

Davide Balliano (né en 1983) est un artiste italien vivant à New York. Formé à la photographie, Davide s'est tourné vers la peinture et la sculpture en 2006 lors de son installation à New York. Il était notamment l'assistant l'artiste Marina Abramović. Son travail a été présenté dans des expositions de groupe, à la galerie Magazzino, chez David Zwirner, au MoMA PS1 de New York et à l'Espace d'Art Contemporain de Castello en Espagne. Il est aussi lauréat du AOL 25 for 25 Award 2010 et est représenté par les galeries Tina Kim à New York et Cardi à Milan.

« Supermarché des formes » ou « pudding culturel » sont les deux noms que John Armleder donne à sa source d'inspiration. Sans hiérarchie, c'est une sorte de mélange éclectique de choses qu'il rencontre, un emmêlement de références. Il s'inspire de ce qui existe et de ce qui a existé. Il pioche à travers différentes époques, artistes et courants des éléments qu'il réinvente à sa manière, à travers son art. Ces formes qu'il réutilise donnent lieu à de nouveaux sens. C'est là le message de l'artiste. Dans un monde où aujourd'hui tout existe, il est inévitable de réinventer ce que l'on connaît. Amoureux des livres, c'est aussi dans ceux-ci qu'il puise son inspiration. John Armleder, anciennement éditeur et libraire, se passionne pour les livres de tous genres. Pour cette nouvelle création, c'est de l'ouvrage de Ernst Haeckel, “Formes artistiques de la nature”, qu'il tire son inspiration. Né en 1834, Ernst Haeckel est un artiste et biologiste qui a passé sa vie à illustrer les espèces des fonds marins et autres animaux. Réelles oeuvres d'art, ses illustrations poétiques montrent une facette inconnue à l'époque de cette vie sous-marine. Dans ses aquarelles, les plantes paraissent comme flottantes, suivant paisiblement le mouvement de l'eau. Délicates et aériennes, elles montrent la magie de ces espèces peu connues.

John Armleder (né en 1941) est un peintre, sculpteur, performeur, libraire et éditeur genevois. Dès son adolescence, il commence à explorer son instinct artistique. Engagé au sein du mouvement Fluxus dans les années 60, il participe à leurs “happenings” disruptifs. Ils repensent le monde de l'art et provoquent la société bourgeoise européenne de l'époque. En 1969, il crée le collectif Ecart aux côtés de Patrick Lucchini et Claude Rychner, qui présente à l'Europe des artistes comme Andy Warhol et Joseph Beuys.

Michael Craig-Martin est une figure iconique du milieu artistique britannique. Son style minimaliste et coloré dépeint des objets du quotidien dans des combinaisons étonnantes. Ampoules vertes, casques roses, accompagnés d'échelles bleues, il nous interroge sur la fonction et la forme de ces objets courants. Minimalistes tout en gardant une précision de détails, les oeuvres de Michael Craig-Martin jouent sur les dimensions. Depuis 1978, il utilise la même grammaire visuelle et assemble différents objets du quotidien pour réaliser des combinaisons hautes en couleur.
Ses tableaux, semblables à des compositions précises, sont arrangés à posteriori à partir d'éléments formés séparément. Dans un jeu d'échelles, l'artiste fait coïncider en taille des objets qui sont initialement de tailles différentes. Une chaussure devient soudain aussi grande qu'une valise ou qu'un casque audio, déréglant alors toute notion d'espace et de mesure.
L'utilisation de couleurs vives forme une palette cohérente entre toutes ses oeuvres. C'est souvent dans des couleurs inhabituelles que sont peints ces objets du quotidien, pour l'artiste, elles donnent une “dimension sculpturale” aux oeuvres.

Michael Craig-Martin (né en 1941) grandit aux Etats-Unis et étudie à la Yale School of Art and Architecture. En 1966, il retourne définitivement en Grande-Bretagne pour y vivre et travailler. Parmi ses oeuvres les plus connues, An Oak tree de 1979, laisse une empreinte importante dans le monde de l'art contemporain. Michael Craig-Martin est aussi connu pour avoir été un professeur influent au Goldsmith's College à Londres, où il a enseigné à de nombreux Young British Artists (YBA), dont Damien Hirst. En 2016, il a été fait chevalier lors de l'anniversaire de la reine Elizabeth II pour ses services rendus à l'art.

Mark Handforth est connu pour ses installations monumentales et son travail est fortement inspiré par son environnement. Lampadaires, panneaux de signalisation et néons sont déformés, pliés, tordus à la façon des ready-mades de Marcel Duchamp. Empruntant au pop art et au minimalisme, il utilise donc des éléments du paysage urbain pour créer des chefs-d’oeuvre structurels. Souvent exposé dans l’espace public, Mark Handforth établit un lien entre l'homme et ses propres productions. Il explique que « l’art public est une sorte de libération du paradigme ennuyeux entre l'artiste et le spectateur ». L'artiste explore alors les problématiques de l'art dans l'espace public, mêlant des formes et symboles surprenants à des objets du quotidien. Subtiles ou apparents, nous pouvons toujours trouver des éléments contradictoires dans ses compositions. Si l'artiste ne manque jamais d’apporter l'inattendu ou une touche d'humour à travers son surréalisme, il traite également de la notion de familiarité dans son travail.

Mark Handforth (né en 1969) a depuis longtemps l'habitude de collaborer avec des institutions publiques. Installé à Miami depuis 1992, il a réalisé de nombreux projets dans la ville avec le Museum of Contemporary Art (MoCA) ou Art Basel Miami. Engagé pour l’accessibilité à l'art, il a également travaillé avec les villes de Paris (Etoile de Bagnolet) et de Zurich (Tessinerplatz) pour des installations commissionnées. Sa fameuse série de lampadaires est visible à travers les États-Unis, notamment à Central Park à New York et devant le MCA de Chicago.

Felice Varini s’approprie l’espace dans lequel il intervient pour créer des installations spectaculaires qui jouent sur les proportions, formes, et perspectives. Ses oeuvres sont souvent temporaires, ce qui ne les empêche pas de s’inscrire de manière réfléchie dans la réalité du lieu. Il utilise des espaces extérieurs architecturaux en respectant l’histoire et la complexité des matériaux, des contours, et des volumes. Après avoir apprivoisé l’espace, il choisit un point de vue facilement accessible au spectateur, qui offre une vision d’ensemble unique sur la pièce. De cette perspective, le public peut visualiser une certaine forme peinte sur l’édifice, tels des ronds parfaitement concentriques ou des lignes qui semblent se croiser. Le spectateur peut ensuite se déplacer dans l’espace pour découvrir une gamme infinie de perspectives où les formes apparaissent presque vivantes.

Felice Varini (né en 1952) est un plasticien contemporain suisse qui vit à Paris et qui a voyagé dans le monde entier pour investir des espaces architecturaux avec sa peinture. Parmi de nombreuses installations dans l’espace public, les plus connues sont celles du barrage de la baie de Cardiff au Pays de Galle (2007), de l’université Nagoya au Japon (2008), et du village de Vercorin en Suisse (2009). Il a réalisé plusieurs oeuvres à Paris, y compris au siège social de Peugeot, Avenue de la grande Armée ou au siège de la Société Générale à la Défense. Il est officier de l’ordre des Arts et des Lettres en France.

Vik Muniz est connu pour recréer des peintures en utilisant des matériaux non traditionnels comme du chocolat, des cendres ou des diamants, l’artiste brésilien propose une nouvelle lecture des chefs-d'oeuvre de la culture pop. À travers ses réinterprétations, les oeuvres de Klimt, Caravage ou Warhol se voient alors donner une tout autre identité visuelle, semblant presque comme le fruit du hasard. Dans ses travaux récents comme sa collection Epistemes, Vik Muniz utilise la technique du collage pour créer des illusions plus abstraites. Il interroge à nouveau l'expérience du spectateur face à ses oeuvres, il l’invite à s'approcher de plus près, à s'attarder sur les détails ; “La moitié du travail, c’est le spectateur qui le fait”. Si de loin ses créations semblent lisses et uniformes, elles résultent toujours d’une composition plus complexe et sensible dans leur production. La planéité supposée contraste avec les détails ancrés dans ses oeuvres.

Vik Muniz (né en 1961) a commencé sa carrière en tant que sculpteur mais s'est rapidement tourné vers la photographie et le dessin. Aujourd'hui, son travail fait partie de collections prestigieuses telles que celles de la Tate Modern à Londres, du Centre Pompidou à Paris ou du Solomon R. Guggenheim Museum et du Museum of Modern Art à New York.
En parallèle de son travail d'artiste, Vik Muniz est connu pour son activisme social. Son film Waste Land, qui dévoile la vie des éboueurs dans les décharges brésiliennes, a été nominé aux Oscars en 2011 et il est ambassadeur de l'UNESCO pour les droits de l'homme.

Dan Graham est particulièrement reconnu pour ses pavillons d’acier et de verre qui jouent sur l’image et le reflet. La boucle est inspirée d’un de ces pavillons, créé pour Novartis en 2009 et pièce permanente de la collection privée de l’entreprise à Bâle. Le travail de l’artiste se situe toujours aux frontières de plusieurs techniques artistiques où il étudie la séparation des espaces intérieurs et extérieurs et joue avec les notions d’espace et de reflet, notamment en jetant le doute sur le positionnement des personnes et des objets. Les oeuvres de Graham soulignent l’impact fondamental que l’environnement peut avoir sur notre regard. Ses pavillons explorent les notions d’intimité, d’image de soi, et de vision des autres. D’après l’artiste, la pertinence de ces structures, se dégage de la réaction des spectateurs, invités à se regarder dans le miroir tout en étant observés par les autres. Les pavillons sont des instruments de reflet à la fois visuel et cognitif, qui soulignent le côté voyeur du design architectural moderne.

Dan Graham (1942 - 2022) était un artiste, écrivain, professeur et critique d’art accompli. Il vivait et travaillait à New York mais ses oeuvres ont fait le tour du globe. En particulier ses pavillons, qui sont présents en Europe et aux USA mais également au Brésil, en Israël ou au Japon. Récemment, il a exposé au Red Brick Art Museum de Beijing (Chine, 2017), au MAMo de Marseille (France, 2015) et dans plusieurs musées aux USA. Il a reçu de nombreuses distinctions, y compris celle de l’Académie Américaine des Arts et des Lettres en 2010, ainsi que le prix de la Fondation Coutts d’Art Contemporain de Zurich (Suisse, 1992).

Le sculpteur espagnol Jaume Plensa révèle une nouvelle facette de son travail, qui s’inscrit dans la lignée de son exploration du visage humain à travers différentes formes, médias et supports. La figure sur la boucle n’est pas clairement définie, ce qui la rend universelle ; un aspect clé du travail de l’artiste. En effet, les oeuvres de Jaume Plensa mettent en valeur les caractéristiques communes de l’humanité plutôt que leurs différences. De même, l’artiste fusionne anciens et nouveaux matériaux pour créer des objets d’art qui reflètent à la fois l’héritage des matières traditionnelles et une conscience de l’évolution rapide de la société, de la technologie et des interactions entre les personnes, l’espace et l’art.

Plensa combine les matériaux classiques de sculpture comme l’acier et le bronze avec des forces naturelles comme l’eau ou la lumière, en fusionnant magistralement le thème, l’objet, et les matières pour créer une nouvelle dimension artistique. Ses oeuvres génèrent un sentiment bouleversant de vitalité et de palpitation dans les espaces d’exposition. Dans un entretien, Plensa décrit une de ses créations comme une belle métaphore à propos de l’humanité : « nous sommes toutes et tous similaires, mais aussi complètement uniques ».

Jaume Plensa (né en 1955) est un artiste contemporain réputé pour ses installations sculpturales dans l’espace publique, comme la Crown Fountain (Chicago, 2004) ou plus récemment We (Londres 2021). Il a reçu de nombreux prix en Espagne, tels que le Prix National des Beaux-Arts (2012) et le Prix Velázquez (2013). Il a également reçu des distinctions à l’étranger, comme la médaille de Chevalier des Arts et des Lettres en France (1993) et l’attribution de Doctor Honoris Causa du School of the Art Institute de Chicago (2005).

L’oeuvre de John Armleder est truffée de références qui échappent à la langue vernaculaire moderniste ainsi qu’à toute forme de classification. Pour cette ceinture, il s’est inspiré de son « supermarché des formes » et a réussi à donner vie à une identité visuelle qu’il avait ancré profondément dans ses souvenirs. Au cours de ses quarante-cinq années de carrière, John a produit des oeuvres que l’on peut considérer comme peintures suprémacistes, sculptures minimalistes, meubles de haute conception ou encore tout autre objet facilement catégorisable. Le cerveau est une forme complexe, qui une fois dessinée, n’exprime plus rien ; il peut faire référence à une noix ou encore à un dessin abstrait.

Les objets qu’il présente dans ses compositions ludiques, sont présentés comme complètement dissociés de toute préoccupation artistique formelle. Il brouille délibérément les frontières traditionnelles entre support et surface, sujet et objet, art majeur et art mineur. Il remet également en question le schéma traditionnel dans lequel le spectateur vient admirer et faire l’expérience d’art moderne ou contemporain dans un endroit spécifique et dédié.

John Armleder (né en 1948) est un artiste contemporain suisse connu pour son travail qui s’inscrit dans le mouvement Fluxus. Le travail d’Armleder opère à travers différents supports, qui vont de la peinture à la sculpture en passant par le design, la performance et les installations. Ses oeuvres sont à la croisée de plusieurs influences et mouvements artistiques, parmi lesquels nous retrouvons le suprématisme, le minimalisme et le néo-dada. John examine souvent le contexte dans lequel l’art est installé et considère que les expositions sont un médium indépendant. Il a trouvé son propre vocabulaire créatif en mélangeant l’abstraction avec le « mobilier sculptural ».

Johan Creten est une figure influente dans l’évolution de la perception de la céramique au sein de l'art contemporain. Le sculpteur flamand est l'un des pionniers de la renaissance de ce matériel dans l'art contemporain. Son objectif est d'exprimer un large éventail d'idées à travers cette matière afin d’inciter des réflexions politiques et sociales à travers son travail complexe qui reste cependant profondément ancré dans la vie quotidienne.

Creten n’hésite pas à charger ses oeuvres d'imperfections, prêt à affronter l'inévitable avec honnêteté. Il produit également des sculptures monumentales en bronze ; leur taille et la force du matériel choisi sont aussi envahissantes que l'intimité intrusive de ses plus petits gestes en céramique.

Dans la perspective de Johan Creten, il n’y a pas sept péchés mais plutôt un nombre infini et illimité. Les sculptures de Creten n’ont rien à voir avec la morale ou la sanction, la guillotine ou la censure ; ils parlent plutôt de péchés et de vies qui font se rencontrer désir et douleur, espoir et misère, luxe et colère, amour et mort, Eros et Thanatos.

Johan Creten (né en 1963) travaille en itinérance depuis vingt-cinq ans, du Mexique à Rome, en passant par Miami et Amsterdam et plus récemment à Paris. Il a commencé à travailler l'argile à la fin des années 1980, alors que cette matière était encore très taboue dans le monde de l'art contemporain. Pourtant, l'argile représente notre Mère la Terre, qui réunit le sacré au profane. Johan Creten est l'un des premiers militants de l'argile dans l'art contemporain, il est considéré, aux côtés de Thomas Schütte et de Lucio Fontana, comme un pionnier dans la renaissance de la céramique moderne, qui influence encore la prochaine génération d'artistes.

Hans Op de Beeck est connu pour ses figures sculptées réalistes et ses environnements mono-chromes immersifs fabriqués à partir de matériaux comme le bois enduit, le polyester et le plâtre pigmenté. Ces matériaux choisis avec soin, transforment ses sculptures et installations construites dans une nuance uniforme de gris mat, donnant aux spectateurs l'impression que cette couleur efface le monde qui les entoure.

L'œuvre d'Hans Op de Beeck est empreinte d'une vision tragi-comique qui rappelle la fatalité de la vie et son œuvre nous plonge dans un univers hors du temps, à mi-chemin entre rêves et silences contemplatifs. Op de Beeck puise son inspiration dans l'une de ses œuvres qui reflète son enfance: Blackberries (les mûres).

La perte, le chagrin et la culpabilité sont généralement associés aux mûres, mais l'artiste en a une lecture plus positive et individuelle. Les mûres lui apportent une vraie nostalgie qui le renvoie aux étés de son enfance et à la cour entourée de murs de pierre de la maison de ses parents. Comme sa petite madeleine de Proust, il revient vers ce fruit, objet symbolique dont la consommation rouvre les portes du passé.

L'artiste bruxellois Hans Op de Beeck (né en 1969) revisite et retravaille des notions historiques conventionnelles de l'art, telles que le panorama, le paysage et les notions germano-romantiques de la mélancolie et du sublime. Les sculptures, croquis, peintures et films d'Op de Beeck consistent souvent en un simulacre et un espace architectural hautement atmosphérique. La tension entre l'artificiel et l'actuel est le sujet de ces espaces vides et anonymes; et cette même tension pose des questions universelles sur l'essence su processus artistique et la position de l'artiste en tant qu'artisan illusoire.

Pour sa collaboration avec J.Hopenstand, Blair Thurman s’inspire de l’une de ses oeuvres, Bacardi Circuit (2018), et la transpose en se prêtant à un jeu d’échelle, de matières et de textures différentes, qui reprennent nombre des éléments représentatifs de son univers artistique. L’artiste américain dont le travail se situe au croisement du Pop Art, de l’abstraction géométrique, de l’Americana et des souvenirs d’enfance, propose une création dont les nombreuses références ne devraient pas échapper au porteur de celle-ci.

Amené par ce trajet qui n’a ni point de départ ni arrivée, l’oeil se déplace alors sur le contenu de la boucle dont le motif évoque une toile d’araignée. Dans la culture populaire américaine, elle n’est pas sans rappeler celle d’un célèbre superhéros. La présence du cerceau qui l’entoure suggère également les attrape-rêves que fabriquait le peuple navajo. Cette référence aux peuples amérindiens est renforcée par le choix de Thurman d’utiliser deux matériaux symboliques de leurs bijoux, la turquoise et l’argent.

Connu pour ses peintures post-minimalistes, ses néons et ses oeuvres murales, le travail de Blair Thurman explore l’histoire de la peinture et sa place dans notre culture contemporaine saturée de médias. Au croisement du Pop Art, de l’Abstraction géométrique, de l’«Americana» et de certains jouets pour enfant, Blair Thurman cherche à travers ses formes à créer des environnements ou des oeuvres indépendantes qui transforment les moyens de communications publicitaires d’aujourd’hui en oeuvres poétiques abstraites.

Avec «CBB», Olivier Mosset emmène J.Hopenstand à le suivre dans ses réflexions sur la couleur changeante. Emblématique pour ses monochromes et ses recherches sur une peinture ne faisant référence qu’à elle-même, l’artiste propose à travers cette collaboration une boucle aux couleurs irisées et aux reflets éphèmères. L’oeuvre prend forme à travers le regard qui se déplace et c’est en référence à l’univers des Harley Davidson et ses bikers, ses codes et son esthétique, qu’Olivier Mosset signale les nombreuses couleurs qui apparaissent à l’oeil.

Ces oeuvres d’art portables sont au nombre de quatre et sont réalisées à partir d’un revêtement industriel, la laque caméléon. Elles proposent des couleurs dégradées qui se transforment au gré des reflets, du vert au rose, ou du rose au doré. Le monochrome est alors renvoyé dans ses propres limites par la peinture métallique et ses pigments orientés, la lumière et les couleurs iridescentes qu’elle révèle, proches du scarabée ou du caméléon.

Olivier Mosset (né en 1944 à Berne et résidant à Tuscon, en Arizona) fonde depuis toujours son travail sur les questions de signature, d’appropriation et de répétition. Il a ainsi produit une oeuvre multifacette de monochromes et d’oeuvres géométriques abstraites qui rejettent toute attribution mystifiante de sens. Sa carrière débute vers 1965 alors qu’il est l’assistant de Jean Tinguely et Daniel Spoerri. En 1966, il cofonde le groupe d’artistes BMPT avec Daniel Buren, Michel Parmentier et Niele Toroni.

Dans "Eye Shadows", l'utilisation des formes, des structures et des couleurs par Sylvie Fleury reflète les règles et les principes utilisés dans le minimalisme et le Pop Art, tout en transformant le maquillage en un motif iconographique et culturel. L'artiste genevoise offre à l'utilisateur la possibilité de jouer avec une palette d’ombres à paupières interchangeables. Le porteur est alors invité à élire la couleur qui révélera sa tenue comme s'il choisissait le fard à paupière qui intensifiera ses yeux bleus, verts ou noisettes.

Pour rappeler la texture et le scintillement qui habillent les compacts de maquillage démesuré de l'artiste, nous habillons la boucle noire "Eye Shadows" de disques laqués à la main. Réalisés à base de pigments et de paillettes métalliques, ces derniers rappellent les peintures de carrosserie qui peuvent être à la fois mates et brillantes et font écho à la sensibilité artistique de Sylvie Fleury.

Sylvie Fleury est née (1961) et travaille à Genève (Suisse). Boîtes de maquillage brisées, lipsticks géants, 'Shopping Bags' devenus sculptures ou tableaux Mondrian en fausse fourrure, Sylvie Fleury s’approprie les produits de luxe et offre depuis le début des années 1990 un regard critique sur les mécanismes de notre société de consommation, ceux de l'art ou de la mode. Par ses travaux multidisciplinaires, elle aborde des questions aussi diverses que la marchandisation, le genre, la violence, la mystique contemporaine.

On ne peut ni les toucher, ni les voir... Il en existe 7... 7 comme les 7 notes de musique, les 7 couleurs du spectre, les 7 planètes, les 7 jours. Centres spirituels et énergétiques, les chakras régissent nos propriétés intellectuelles et instinctives et contribuent à notre bien-être.

Quoi de tel que de s’inspirer des énergies invisibles du corps humain pour créer une oeuvre d’art portable ? Sylvie Fleury l’a fait en choisissant de représenter le chakra sacré dit Svâdhistâna.
Deuxième des sept chakras majeurs, le chakra sacré se situe au niveau de la ceinture. Siège de nos émotions et de notre créativité il se compose d’un lotus de six pétales ainsi que d’un croissant de lune. Il est naturellement relié au plaisir de vivre et au bien-être physique.

Réalisée en deux façons par l’artiste genevoise, la fleur de lotus s’habille soit de noir soit d’orange et de bleu nuit. La boucle revêtant une finition or jaune et or rose, est par la suite ornée de laque de différentes couleurs dont une pailletée en son centre.

Sylvie Fleury est née (1961) et travaille à Genève (Suisse). Boîtes de maquillage brisées, lipsticks géants, 'Shopping Bags' devenus sculptures ou tableaux Mondrian en fausse fourrure, Sylvie Fleury s’approprie les produits de luxe et offre depuis le début des années 1990 un regard critique sur les mécanismes de notre société de consommation, ceux de l'art ou de la mode. Par ses travaux multidisciplinaires, elle aborde des questions aussi diverses que la marchandisation, le genre, la violence, la mystique contemporaine.

Pour J.Hopenstand, l'artiste berlinois Gerold Miller s'inspire d'une série d'oeuvres récente appelée « Monoform » : deux angles en aluminium laqués qui ont pour but de limiter l'espace qui n'appartient, selon l'auteur, qu'à l'imaginaire du spectateur. C'est ainsi que naissent les ceintures J.Hopenstand & Gerold Miller qui arborent une boucle en aluminium laqué, déclinée en trois séries. Les pièces baptisées « Monoform Bleu », « Monoform Rouge » et « Monoform Noir » entrent respectivement en contraste avec les cuirs de couleurs noirs, bleus et rouges.

Gerold Miller est né en 1961 à Altshausen (Allemagne) et travaille à Berlin. Entre sculpture, peinture, relief et architecture, les oeuvres de Gerold Miller investissent notre quotidien visuel dans une rupture consommée avec l'image et sa représentation, en se réduisant au cadre uniquement. Définitivement débarrassée de sa fonction limitative, la frontière entre une zone picturale et environnementale disparaît en faveur d'une coalition perméable entre le centre et la périphérie, le dedans et le dehors, le bi et le tridimensionnel. Teinté d'une approche conceptuelle, le cadre vide devient une composition autonome. Gerold Miller a articulé son propos par étapes, à l'image de ses différentes séries; par une esthétisation des surfaces, à l'exemple de notre culture visuelle contemporaine, et par une accentuation croissante des qualités du design et des techniques industrielles. Sans montrer d'images et pourtant à l'instar de la communication de masse, ses oeuvres agissent comme un filtre qui cadre un segment de notre monde visuel.

A le connaître, on ne pouvait ignorer que l'artiste allemand Wolfram Ullrich allait s'inspirer de son art abstrait géométrique en collaborant avec J.Hopenstand. Des angles serrés et des formes clairement définies dominent ses énigmatiques polygones tridimensionnels. Ce sont plus précisément des polyèdres, formes géométriques dont les faces sont planes, qui ont inspiré l'artiste lors de la réalisation de la boucle appelée « PRO ». Les finitions polies, satinées et microbillées, ainsi que les différentes teintes de gris donnent un effet de perspective et de profondeur à cette oeuvre qui viendra habiller un cuir réversible ébène noir.

Wolfram Ullrich est né en 1961 à Würzburg et travaille à Stuttgart. Ullrich occupe une position spécifique dans l'art contemporain. Alliant tradition et innovation, il crée des oeuvres dont le vocabulaire formel est issu de l'art abstrait géométrique, plus particulièrement du constructivisme. Depuis 2000-2001, Ullrich travaille à partir de polyèdres. La partie plane de ses formes géométriques est souvent colorée alors que les bords de ses oeuvres dévoilent l'acier. La séparation des différentes parties du polygone intensifie l'effet de perspective. Ullrich nous invite à dépasser l'illusion du premier regard pour apprécier ces formes hybrides en tant que telles. Jouant des lignes, des matières, des couleurs et de la perspective, Ullrich reste fidèle à la tradition de l'art concret sans succomber à ses conventions.